Guía básica de Pearl Jam

Pearl Jam caricaturizado para su álbum Backspacer. Desde la izquierda: Eddie Vedder, Jeff Ament, Mike McCready, Stone Gossard y Matt Cameron.

Pearl Jam caricaturizado para su álbum Backspacer. Desde la izquierda: Eddie Vedder, Jeff Ament, Mike McCready, Stone Gossard y Matt Cameron.

Desde hace un par de semanas se rumora que Pearl Jam puede ser el invitado sorpresa para el festival Corona Capital 2014 programado para llevarse a cabo el próximo mes de octubre en el Autódromo Hermanos Rodríguez en la Ciudad de México. Esta teoría se va poco a poco cocinando debido a que el día de hoy Pearl Jam anunció una gira en el otoño en la cual pisarán el Festival Ausitn City Limits, lo que muchos toman como la señal de que Pearl Jam regresará a México después de su última presentación en 2011. ¿Por qué? Pues ya en ocasiones anteriores artistas no programados en el cartel original, y que tocan en el antes mencionado festival, aparecen de sorpresa en el autódromo.

Si esto se llega a confirmar, no faltará la chaviza que de la noche a la mañana recordará que es fan de Pearl Jam, y empezará a buscar las canciones más populares de la banda de Seattle conformada por Eddie Vedder, Mike McCready, Stone Gossard, Matt Cameron y Jeff Ament. Porque no nos gusta dejar a la deriva al público que no conoce a Pearl Jam, y porque simplemente amamos su música, te dejo la Guía básica de Pearl Jam para que vayas al autódromo bien preparado y no andes preguntando en pleno concierto: “Ésa rola está chingona. ¿Cómo se llama?”.

Pearl Jam se encuentra en pleno cierre de su gira europea, tras promocionar su más reciente producción "Lighting Bolt".

Pearl Jam se encuentra en pleno cierre de su gira europea, tras promocionar su más reciente producción “Lighting Bolt”.

  • El sonido actual de Pearl Jam

Según he tratado  de entender  la música de Pearl Jam la banda ha pasado por tres etapas musicales. La primera los llevó a crear una trilogía muy grunge a principios de los 90 con su álbum debut Ten, Vs. y  Vitalogy. Luego, y casi casi de manera consciente, después de la muerte de Cobain, viene el Pearl Jam experimental que se abriría con el poco valorado No code. Pearl Jam tardaría un par de años en encontrar el sonido de la segunda etapa. Con Yield la banda vuelve a consolidar un sonido duro y maduro, y en Binaural lo llevan a sus niveles más creativos. Después de un Riot Act un poco insípido, sacaron un álbum homónimo el cual marcaría la tercera etapa de Pearl Jam: los chavos rucos. Si bien Pearl Jam resultó un gran discazo que revivía el espíritu de la banda, también se notaban ya los años de sus integrantes. Después sacarían un horrible y popero Backspacer pero el cual definiría el sonido en vivo de la banda. Muchos creímos que era el fin hasta que publicaron Lighting Bolt, su álbum más reciente. Si bien no es el sonido de Pearl Jam, si tiene buenos solos de guitarra, tiene buenos riffs y sobre todo se nota que se tomaron el tiempo para crear canciones como Pendulum o My father’s son. Aunque aún tocan canciones muy antañas, éstas se tocan de una manera muy diferente, muy al sonido actual de Pearl Jam. He aquí el primer sencillo de su más reciente producción:

  • Para agitar la cabeza

Además de sus clásicos (Alive, Even Flow, Yellow Ledbetter y Do the Evolution) Pearl Jam trata de crear un repertorio muy variado ciudad con ciudad. Una de las rolas que apenas hace un par de años retomaron es Blood de su segundo álbum Vs. He aquí la forma en que Eddie Vedder utilizaba todo el poder de su voz cuando aún la tenía muy fresca…:

  • Los covers

Pearl Jam suele toca covers de grandes bandas o leyendas de la música. En algún momento fueron cover de Bob Dylan, en otro de los Who. Actualmente Pearl Jam mete al menos una canción de Pink Floyd, sobre todo después de la gran participación de Vedder con Roger Waters en el festival 12.12.12. Hay de dos sopas: Mother de The Wall o una versión muy simple de Interstellar overdrive de The piper at the gates of dawn, mezclada con una de sus canciones llamada Corduroy. Esta última mezcla es la que muy probablemente llegue a tocar Pearl Jam si pisa el Corona Capital:

  • Baladas imperdibles

Aunque Black y Y son clásicos que rara vez no tocan, Pearl Jam ha optado en varias ocasiones por no tocar alguna o ninguna de las canciones mencionadas. Han preferido tocar el segundo single de Lighting Bolt, Sirens, o esta bella pieza perteneciente a un EP que hicieron con Neil Young,

  • Sigue rockeando

Keep on rockin’, original de Neil Young, parece ser la rola oficial de la gira actual de Pearl Jam, pues en ninguno de los conciertos ha faltado esta canciones. Generalmente con esta cierran. Si llegan a México, es un hecho que la tocarán así que no puedes dejar de aprenderte esta canción:

La mejor banda de rock de la historia

  • Sólo Dios (R.I.P.) sabía

Siempre leemos en las revistas esas listas que buscan al mejor guitarrista de la historia, al mejor cantante de todos los tiempos, el baterista más importante de la vida. Uno puede ver y ver cómo varian esas listas y no muchas veces coinciden; a pesar de ellos vemos los mismos nombres en los primeros lugares lo cual nos hace deducir quién sí y quién no merece el primer lugar. La realidad es que nos es difícil dejar a un lado nuestros gustos y preferencias para hacer una lista honesta, además de la posibilidad de nunca haber escuchado al mejor en alguna categoría ya sea por nuestro bagaje cultural o porque simplemente éste o ésta nunca saltó a la fama.

Una de los listados más populares entre publicaciones y amigos es elegir a la mejor banda de rock de la historia. Elegí las siguientes bandas y después corroboré en Internet que no andaba tan perdido, pues las bandas que aquí te presento siempre están entre las 10 mejores en diferentes listados. Excluí a The Beatles porque son siempre nombrados, además, creo que si hablamos de rock rock, hay otras mejores a los Cuatro Fabulosos (y se los dice un beatlemaníaco).

El orden es fortuito, no hay ni quinto ni primer lugar. Son sólo propuestas para el debate de sobremesa con la banda.

  • El lado oscuro de la pared

Mujeres con la espalda pintada con las portadas nás representativas de los discos de Pink Floyd.

Mujeres con la espalda pintada con las portadas nás representativas de los discos de Pink Floyd.

Nadie puede negar que la historia del rock no sería la misma sin Pink Floyd. La banda se formó en 1964 con la siguiente alineación: Syd Barret, Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright. Su primer disco, The piper at the gates of dawn era sólo el comienzo de una gran carrera musical. Como bien se sabe, Syd Barret tuvo que abandonar la banda por problemas mentales (literal) y en su lugar entró David Gilmour, con quien Pink Floyd logró crear obras tan imprescindibles como Dark side of the moon, The Wall o Animals (mismo que considero su mejor álbum).

Pink Floyd fueron los maestros de lo que se conoce como rock progresivo. Creaban unas atmósferas increibles con los sintetizadores y nos hipnotizaban con sus voces. Las letras eran alucinantes, y así como podían llevarte por un viaje liviano con canciones como Breathe o Comfortably numb, también te podían malviajar con rolas como Hey you o Carfeul with that axe, Eugene. Guitarrazos exactos, un duelo entre la guitarra que te habla y la que te mece; un sintetizador que sirve como eje para que no te vayas y una batería que marca los latidos de tu corazón. Por esa forma de combinar lo melodioso y lo estruendoso, por esa forma de atrapar tu atención a través de atmósferas dulces y rocosas, incluso en la misma canción como la grandiosa Shine on your crazy diamond, es que Pink Floyd es un gran candidato a ser la mejor banda de toda la historia. 

La famosa alineación de Pink Floyd.

La famosa alineación de Pink Floyd.

He aquí una obra maestra donde todo Pink Floyd saca a flote su talento. No debes morir sin haber escuchado discos como Wish you were here o Animals, y por supuesto, no debes irte a la tumba sin haber oído esta canción:

  • Una noche con la reina

El logo de Queen.

El logo de Queen.

No conozco a alguien que en su vida haya escuchado una canción de Queen. Vaya, es imposible que jamás hayan escuchado, mínimo, We are the champions cuando hay algun evento deportivo mundial o de cualquier índole.

Queen se formó en 1970 con Freddie Mercury en la voz principal, el Dr. en Física Brian May como guitarrista, John Deacon como bajista y Roger Taylor como bataco. Realmente a Queen sólo le he encontrado dos discos buenos: A night at the opera y Queen II, y eso con sus peros. Sin embargo Queen fue una banda que supo llevar su música a casi cualquier género, de tal manera que por eso es imposible nunca haber escuchado una canción de ellos. Ya sea pop (I want to break free), rock &roll (Crazy little thing called love), hardcore (Stone cold crazy) o hasta las minióperas (el clásico de clásicos: Bohemian Rhapsody), Queen supo trabajar con cuidado sus canciones. Cuenta con grandes solos de guitarra como en The princess of the universe y cuenta con hermosas baladas como Love of my life. Tiene rolas tan teatrales como The show must go on y tienen hasta una rola con David Bowie, Under pressure, lo cual ya significa bastante.

Queen simpsonizados.

Queen simpsonizados.

No debes dejar de escuchar Rock Montreal, el cual es un disco de uno de sus conciertos en Canadá; es ahí donde era mejor Queen, en el escenario. Mientras te dejo la que fue su mejor canción, su mayor legado:

  • Apesta a Litio

Claro que la banda de Kurt Cobain, Nirvana, no podía faltar en este listado. Dave Grohl, Krist Novoselic y Kurt Cobain formaron a finales de los ochentas una de las mejores bandas de la historia, y tan sólo les tomó 5 años de carrera. 

El logo de Nirvana.

El logo de Nirvana.

¿Dónde radica la importancia de Nirvana? Sencillo: le devolvieron el carácter subversivo al rock, su calidad de himno de los relegados. Mientras el mundo aplaudía los grandes conciertos de U2 y de Queen, Nirvana hacía crecer el movimiento grunge desde el garage hasta convertirlo en todo un símbolo del nihilismo que agobia a casi todos los adolescentes del mundo.

Su música tan fuera de la escuela: unos riffs pegajosos y ruidosos, unos solos de guitarra inmanentes de drogas y alcohol, letras tirando la neta del planeta (quiero mi cocooool), aunado a un baterista ídolo de John Bonham… La combinación perfecta.

Empezando por l izquerda: Dave Grohl, Kurt Cobain y Krist Novoselic.

Empezando por l izquerda: Dave Grohl, Kurt Cobain y Krist Novoselic.

Los discos obligados son In utero, Nevermindy Bleach. Dejaré, obviamente, su rola más popular y que ha sido considerada recientemente como la mejor canción de la historia (Ver Apesta a Kurt Cobain):

  •  Escaleras al cielo

Led Zeppelin han inspirado a muchas generaciones de músicos. Sus conciertos son verdaderamente asombros pues contaba con talentosos músicos: un poderoso y veloz John Bonham en la batería (Ver Bateristas impescindibles: John Bonham), un cantante misterioso y eficaz como Robert Plant, un guitarrista muy hábil para los solos y los plagios como Jimmy Page y un bajista que se hacía notar como John Paul Jones.

Símbolos de cada integrante. Comenzando por la izq.: Page, Jones, Bonham y Plant.

Símbolos de cada integrante. Comenzando por la izq.: Page, Jones, Bonham y Plant.

Stairway to heaven debe ser una de sus mejores canciones y quizá la más reconocida, pero también se dejan de lado canciones como Since I´ve been loving you, Dazed and confused, Ten Year Gone o The rain song. Pasan de las más suaves baladas a las estruendosas canciones, pero a diferencia de Pink Floyd no crean atmóferas sino que hacen del rock una única atmósfera donde se mueven con facilidad Bonham y Page, de ahí sus extensos solos. Las canciones de Led Zeppelin van de lo sexoso hasta lo literario haciendo referencias a Tolkien (como se nota en Ramble On). Led Zeppelin supo encontrar un equilibrio entre el sonido de la caótica ciudad y el tranquilo campo, pasar de lo moderno a lo medieval. Con las canciones y disco de Led Zeppelin se puede crear todo un universo, y mínimo una película: ¡No sé por qué no se han dado a esa tarea!

Led Zeppelin en plena actuación.

Led Zeppelin en plena actuación.

Toda su discografía es obligada, pero podemos decir que el disco que encontró el sonido auténtico de Led Zeppelin fue Physical graffiti. Aquí te dejo la mejor presentación de Stairway to heaven:

  • Simpatía por el rock & roll

La famosa lengua, símbolo de los Rolling Stones.

La famosa lengua, símbolo de los Rolling Stones.

No podían faltar sus Satánicas Majestades, los mismitos Rolling Stones. Formados en 1962, originalmente por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Bill Wyman y el master Brian Jones, los Rolling Stones pusieron en aprietos a los Beatles a mediados de los 60. Su vida está llena de alcohol, excesos, problemas con la ley, pero sobre todo de música. No hay década desde que aparecion en la cual no saquen por lo menos un buen disco. Crearon una forma de hacer rock tan suya que por eso sus disco más recientes no suenan anticuados. Una de las bandas más viejas de la historia sigue llenando estadios, en los lineamientos principales de importantes festivales sigue estando en las primeras planas de los periódicos, y sobre todo sigue haciendo rock del bueno a pesar de las modas, a pesar de los años. El rock de los Rolling Stones es la mezcla perfecta del blues y el R&B, de la poesía, de la protesta, de lo sexual y lo excesivo; la subversión al simpatizar con el diablo o pintarnos de negro; la dulzura del amor de colores o de la pérdida de la amada; la desesperanza que siente uno en medio del camino, o el sentimiento de rebeldía pura y con mucho sentido.

Alineación original (comenzando por la izquierda):

Alineación original (comenzando por la izquierda): Mick Jagger, Brian Jones, Keith Richards, Bill Wyman y Charlie Watts.

Probablemente los Rolling serían menos llamativos si los Beatles siguieran vivos, pero no existen los hubiera. Los Rolling Stones fueron, son y seguirán siendo una autoridad en el rock. Discos que no puedes dejar de escuchar: Beggars banquet, Let it bleed, Sticky fingers. Aquí la rola que dicen cambió el escenario del rock:

 

La tarántula de Bob Dylan

En 2003 la revista Spin magazine publicó el artículo Top Five Unintelligible Sentences from Books Written by Rock Stars (Las cinco oraciones más ininteligibles de libros escritos por estrellas de rock)  donde Bob Dylan encabezaba la lista con la siguiente frase: Now’s not the time to act silly, so wear your big boots & jump on the garbage clowns (No es el momento para actuar como tonto así que ponte tus botas grandes y brinca en los payasos de basura).  El artículo se volvió una más de las tantas críticas haciaTarántula, obra que casi todos catalogan como basura. Aquí trataremos de contradecir a esa crítica siempre tan apegada al canon literario.

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Foto de la primera edición de “Tarántula”.

Tarántula es un libro escrito por uno de los más grandes poetas del siglo XX, Bob Dylan. Está catalogado en el género de novela y de ficción literaria. Lo interesante es que esta forma de catalogarlo es errónea: no tiene un argumento principal ni un principio ni un fin para ser novela y no todo lo que aparece en el libro es ficticio.

El libro fue escrito en 1964 a partir de la popularidad de Dylan en el circuito folk. Albert Grossman, el entonces mánager del cantante, firmó un contrato con la editorial McMillan  a espaldas de Bob, obligándolo a entregar un libro completo para ser editado y vendido. De esta manera Dylan se encadenó a la máquina de escribir, no sólo por esa necesidad que había surgido en él de escribir y escribir (como lo declara su entonces pareja Joan Baez), sino ahora para terminar un libro que él sólo había deseado escribir en algún momento.

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Bob Dylan y Allen Ginsberg en la tumba de Jack Kerouac.

Las influencias que marcarían Tarántula  serían las mismas que aparecen en la lírica de los siguientes discos de Dylan: Allen Ginsberg, quien le aconseja leer Una temporada en el infierno de RimbaudLos cantos de Maldoror de Isidore Ducasse; Ginsberg lleva de la mano a Dylan a través de la literatura de Jack Kerouac.  Parte de esta influencia deja dos tendencias en el libro: el conflicto total con una vida caótica y opresiva y el surrealismo. Por supuesto que ninguno de los autores mencionados son considerados surrealistas, pero el mismo Andre Breton consideró Los cantos de Maldoror  como un precursor de esta vanguardia.  Entonces, Dylan conjuga estos dos aspectos y los transporta a su vida, donde, en aquel entonces, luchaba entre ser el ídolo de la música folk y la revolución, o ser un poeta y un artista completo, libre y en crecimiento (ver El día que Bob Dylan renunció al folk).

La crítica no es nada favorable con el libro. Lo consideran un libro absurdo y sin sentido. Algo no tan cierto. Tarántula carece de estructura pero no de sentido.  Hay un claro mensaje en el libro. Cada sección, cada parte, está pensada en algo específico. Y si no es así, es un claro ejemplo de la asociación libre, método utilizado por los surrealistas donde pintan o escriben lo primero que les viene a la cabeza sin pensar en el sentido o en la concordancia. El ejercicio lo catalogaba Kerouac como: no está escribiendo, sólo está tecleando.

Dylan tecleando y tecleando.

Dylan tecleando y tecleando.

¿Cómo saber qué partes sí tienen sentido? Cuestión de darle enfoque al título del libro. Si algo no menciona ninguna crítica es el porqué del título del libro, algo fundamental para entender el mensaje completo de Tarántula que va más allá de ser un compromiso que se tiene que cumplir.

En la película I’m not there (2007), biopic de Bob Dylan, el personaje de Jude Quinn, después de su enfrentamiento con Mr. Jones, aparece tecleando y fumando con rapidez, rodeado de recortes de revistas, mientras aparecen unas cuantas escenas de una tarántula caminando; en el fondo, tenemos al actor que personificó a Allen Gingsberg recitando un texto donde alude a la venganza. El texto es un pequeño fragmento de Así habló Zaratustra  de Friedrich Nietzsche (De las tarantulas). Si el título del libro proviene de este interesante fragmento, el sentido de Tarántula  se convierte en una venganza que liberará a Dylan de la presión del mundo, “el arcoíris después de la tempestad”.

Cuando Dylan se convierte en un artista eléctrico se enfrenta con su público. La presión y las múltiples presentaciones de conciertos lo envuelven en un mundo cuya única salida se encuentra en las letras. El único lugar donde Dylan puede ser libre y hacer y deshacer su mundo como quiera es su cabeza. Aquí la asociación libre cobra sentido. Es en Tarántula donde encuentra el refugio y el escape, encuentra el medio para vaciar su cabeza con un camión de basura, como dice en From buick 6. Cada sección del libro está inspirada en algún hecho real pero Dylan lo transforma de acuerdo a cómo lo vio el poeta de Minnesota, cómo lo vio con las drogas  y la presión de ser un rock star. Tarántula es su venganza contra el mundo, contra todos: sus antiguos seguidores, sus nuevos fans, el mundo del establishment, de la contracultura, de la música, de las letras.

A continuación muestro un pequeño fragmento donde se puede ver lo que acabo de argumentar. Este fragmento muestra la forma en que Dylan destruye su viejo yo y como es la reacción de la crítica, de sus fans y del mundo:

aquí yace bob dylan,

asesinado

por la espalda

por carne temblorosa

que, después de ser rechazada por Lázaro,

saltó encima de él

por soledad,

pero quedó maravillada al descubrir

que él era ya

un tranvía &

ése fue exactamente el fin

de bob dylan

ahora yace en el salón de belleza

de la Srta. Realmente

que descanse en paz

su alma & su grosería

dos hermanos

& el chico de una tía desnuda

que se parece a Jesucristo

pueden compartir ahora los restos

de su enfermedad

& sus números de teléfono

no hay fuerza

para dar –

ahora todo el mundo

puede recuperarla

Tarántula vio la luz en 1971 con la editorial McMillan, donde la crítica, como ya mencioné, destrozó el libro. Aunque es de mencionar que el libro iba ser lanzado en 1966, debido al accidente de motocicleta del cantante fue pospuesto. Se dice que en el Festival de Woodstock circulaban algunas copias piratas del original mecanografiado.

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Considerado por Wikipedia como “una colección de prosa poética” Tarántula  es un libro que combina la asociación libre con la poesía de Dylan para crear una serie de imágenes surreales y psicodélicas que reflejan el mundo interno de Zimmerman; un pequeño vistazo al mundo de mediados de los sesenta como realmente Dylan lo veía. En 2013 la editorial Oceáno en conjunto con la Global Rythim publicaron  Tarántula en la traducción de Alberto Manzano.

El club de los 27 (Parte II)

Los miembros de honor del club de los 27.

Los miembros de honor del club de los 27.

  • Amy “la loquilla” Winehouse

Tras grabar su primer disco, Frank (en honor a Frank Sinattra), Amy Winehouse se posicionó como una de las promesas de la música inglesa. Su estilo influenciado por el jazz, el blues y el soul  se debía en gran parte a sus padres quienes eran fanáticos de este tipo de música. Con tan sólo 20 años de edad, Amy Winehouse había logrado crear un material que fue calificado positivamente por la crítica. Todo este éxito devino en drogas y excesos, una vida bohemia y de rockstar. Todo comenzó por allá de enero del 2007 cuando Amy decide cambiarse de barrio: Camden, Inglaterra, sería el nuevo vecindario de la cantante. Este barrio es característico por sus grandes mercados y su gran actividad económica. Otra cosa que hace famoso a este barrio es ser uno de los mercados negros de droga más famosos del Reino Unido. Evidentemente Amy no cayó aquí por casualidad. Aunado al consumo exagerado de drogas y alcohol (pa’ poder pasarse todo sin brinquitos) están sus novios, quienes la iban guiando por el camino del exceso. El más importante de ellos fue Blake Fielder-Civil con quien se casó, y unos años después se divorció

Durante las grabaciones de "Back to black" las drogas no afectaban tanto su vida

Durante las grabaciones de “Back to black” las drogas no afectaban tanto su vida

Fue justo después del éxito de su segundo disco, Back to black, cuando comenzaría el declive de Winehouse. El disco antes mencionado fue su trabajo más aclamado por la industria, valiéndole varios premios Grammy. Y no sólo eso, la verdad es que es un buen disco. No me atrevo a decir que es jazz o soul moderno porque eso sería una exageración. Me gusta creer que es un intento de pop el cual busca fusionar los géneros musicales antes mencionados. El resultado es muy bueno.Todas las canciones de Back to black las escribió Amy y eran reflejo de su vida llena de adicciones (ver su single más popular, Rehab, cuyo coro dice que la quieren llevar a rehabilitación pero ella dice nooooo, noooo, noou). Varios problemas se sumarían a lo largo de cuatro años: constantes borracheras que terminan mal, broncas con los fans, su divorcio, y sobre todo que su vida de excesos empezaba a causar consecuencias en sus presentaciones en vivo. ¿Por qué no paró? Ella misma declaró que estando en lo más bajo del mundo, en el lugar más inmundo del universo, en el fondo del abismo, su creatividad fluía, es decir: necesitaba llevar una vida caótica para poder tener la inspiración de escribir y hacer música.

Amy Winehouse fallece el 23 de julio del 2011, a los 27 años, tras sufrir el cold turkey, en otras palabras: el síndrome de abstinencia, el cual se define como todos esos sintomas que el cuerpo desarrolla cuando un adicto (generalmente alcohólico o drogadicto) se abstiene de consumir el producto que le genera adicción.

Sus últimas presentaciones apenas y podía terminarlas.

Sus últimas presentaciones apenas y podía terminarlas.

Cuando supe de su muerte no conocía su música. Mi prejuicio evitó que conociera la música de Winehouse, pues pensaba que era una simple estrella pop. Lo fue, al final de cuentas pero con un estilo muy jazzero y soul, una voz muy particular para este tipo de canciones. No es un pop convencional. Tampoco creo que le llegué a Ella Fitzgerald o Nina Simone, pero si te gustan las anteriores, seguro encontrarás algo interesante en Amy Winehouse:

  • La misteriosa muerte de Brian Jones

Brian Jones fue uno de los músicos más importantes de la década de los 60 del siglo pasado. Fue, nada más y nada menos, que el fundador de una de las bandas más importantes de la historia: Los Rolling Stones. Incluso, la banda le debe el nombre a él, quien sugirió el nombre a partir de una canción de Muddy Waters. Brian Jones era quien llevaba la batuta en los Rolling Stones; su participación en discos como Aftermath y Beggars Banquet fue fundamental, dada su condición de multiinstrumentista. Básicamente él iba convirtiendo a los Stones en una leyenda, los ponía al two por two con su competencia más agerrida: The Beatles.

55 años después de su muerte, aún no se sabe si fue una muerte rockera o un vil asesinato.

Brian Jones era muy cuate de varios rockeros de su época, entre ellos Jimi Hendrix.

Brian Jones era muy cuate de varios rockeros de su época, entre ellos, Jimi Hendrix.

Después del exitazo que resultó Beggars Banquet (1968), los Rolling Stones decidieron grabar rápidamente su siguiente álbum: Let it bleed (Let it bleed, let it bleed… whispers words of sorrow, let it bleed). Durante las grabaciones de dicho material, Brian Jones se perdía por los excesos del alcohol y las drogas. Se dice que durante los ensayos se encontraba perdido y muchas veces tuvieron que parar pues Jones andaba “viajando”; totalmente desconcentrado, incluso muchas veces ni se rpesentaba a las sesiones o ensayos. Fue así cuando el 8 de junio de 1969, en plena grabación de álbum, los integrantes de los Rolling Stones fueron a casa de Brian Jones para despedirlo. En menos de diez minutos expulsaron a un miembro fundador y a una de las piezas claves de los Rolling Stones (era como expulsar a Lennon o a McCartney de los Beatles).

"Brian le daba ese toque especial a nuestra música." Mick Jagger

“Brian le daba ese toque especial a nuestra música.” Mick Jagger

Brian Jones creía andar bien. Sus adicciones estaban “bajo control”. Seguía componiendo canciones en su casa, misma que había sido de A.A. Milne, creador de Winnie The Pooh. Tenía planes de hacer algo con Jimi Hendrix, e incluso en solitario. Se conocen al menos dos canciones que Jones grabó después de ser despedido por los Stones: Has anybody seen my baby? y Chow Time, mismas que nunca han visto la luz. Lo interesante es que en 1997 los Rolling Stones publicaron una canción con el mismo título: Has anybody seen my baby?

Pero todo quedaría en simple palabras: la madrugada del 2 de julio de 1969 Brian Jones falleció a los 27 años de edad. La versión oficial indica que murió de un ataque de asma. Sin embargo hay varios cabos sueltos que nublan la verdad sobre la muerte de Jones.

La mañana del 2 de julio de 1969 Anna Wholin, novia de Brian Jones, encuentra el cuerpo postrado del músico a un lado de la piscina; al acercarse se da cuenta que tiene la cabeza hundida en la piscina. La primera versión fue un exceso de drogas, la cual fue rápidamente descartada porque un médico aseguró que la cantidad de droga estimada no podría matar a nadie. Una nueva versión apareció: homicidio.

Cuando los Rolling Stones despidieron a Brian Jones éstos le dijeron que recibiría el 20% de las ganancias generadas por el grupo por el resto de su vida. Durante el mes anterior a la muerte de Jones, un tal Tom Keylock cobró por Brian varias veces el dinero acordado sin entregárselo. Tom, junto con el albañil, Frank Thorogood, entraban y salían con facilidad de la casa. Fueron los primeros sospechosos, pues se especuló que Jones se dio cuenta del robo y los iba a denunciar. La otra teoría apuntaba que Tom y Frank fueron contratados por Mick Jagger y Keith Richards para deshacerse de Brian Jones de una buena vez y así olvidarse de la regalías y de futuros problemas legales que podrían surgir por el nombre de la banda.

Julian Lennon, John Lennon, Yoko Ono y Brian Jones.

Empezando por la izquiera: Julian Lennon, John Lennon, Yoko Ono y Brian Jones.

Frank Thorogood confesó en 1993, justo en el mismo año en el que falleció,  haber asesinado a Brian Jones. Pero esta declaración paó desapercibida: Ya pa’qué.

Previo a la muerte de Jones los Rolling Stones tenían programada una presentación en el Hyde Park de Londres, la cual representaría su primera presentación en varios meses. Justo antes de empezar el concierto, Mick Jagger recitó el poema Adonís de Percy Shelley, el cual había sido escrito en memoria del difunto poeta John Keats. Después tocaron la canción favorita de Jones: I’m your’s, I’m her’s

El cuerpo de Jones yace 4 metros bajo tierra londinense, encerrado en un ataúd de oro y plata financiado por Bob Dylan. Y por cierto: ni Mick ni Keith fueron al funeral de Brian Jones. El primero tenía compromisos que cumplir y el segundo, según asegura en el documental Crossfire hurricane, no asisitó porque así es él; ni siquiera, dice, fue al funeral de su padre.

  • El suicidio de Kurt Cobain

Kurt Cobain ha sido de las últimas figuras internacionales del rock. Su muerte significó también la muerte del representante de la generación X, del descontento social y del nihilismo. El fallecimiento del líder y vocalista de Nirvana fue un gran golpe para los jóvenes que seguían fervientemente el movimiento grunge, incluso las mismas bandas que conformaban dicha corriente se vieron también muy afectadas por el deceso de Cobain. Pero, ¿qué lo llevó a quitarse la vida?

Kurt Cobain ascendió rápidamente a la fama internacional. Su forma de vestir, su actitud ante la prensa, sus letras y entrevistas, y por supuesto su música, habían tocado las fibras más delgadas de los jóvenes inconformes con la vida que les había tocado y les sentenciaban; los relegados por la sociedad, los sin voz, los raritos, apartados del sistema. Cobain se volvió el símbolo del movimiento grunge. Cada palabra, cada canción, cada declaración era usada como un dogma lanzado por la autoridad y único representante de la generación X. Digamos que a Cobain lo hicieron popular mientras él buscaba hacer un poco más conocida su música.

Varios amigos de Cobain, entre ellos el vocalista de R.E.M., Mike Stipe, intentaron convencerlo de entrar a rehabilitación.

Varios amigos de Cobain, entre ellos el vocalista de R.E.M., Mike Stipe, intentaron convencerlo de entrar a rehabilitación.

De repente, toda la ropa que Cobain había comprado por menos de un dólar, en tiendas de reabaja, aparecía en los escaparates a cientos de dólares; el estilo de Cobain desfilaba en las más grandes pasarelas. Uno prendía la televisión y Cobain se robaba las pantallas. Ser el chico rudo, desamparado, apartado, estaba de moda; los niños ricos, mismos que nunca habían vivido la crudeza de la vida, se lamentaban de ésta “pinche vida”. Esta popularidad hostigaba, perseguía y torturaba a Cobain, y era sólo el principio. Para 1994 la fama Nirvana los había hecho grabar el famosísimo Unplugged de MTV. No había ser humano en la Tierra que no conociera a Nirvana. La fama, la popularidad, la prostitución del grunge, eran los fantasmas de Cobain, los espíritus que lo atormentaban durante sus grandes alucinanciones y trances provocados por la heroína. Aunado a ello, la relación con su esposa, Courtney Love, no iba muy bien.

Hace poco la policía de Seattle reveló algunas supuestas fotos de la escena del suicidio de Cobain. Pocos creen en la veracidad de dichas imágenes.

Hace poco la policía de Seattle reveló algunas supuestas fotos de la escena del suicidio de Cobain. Pocos creen en la veracidad de dichas imágenes.

A medidado de marzo de 1994 Kurt intentó suicidarse. Debido a esto, el primero de abril fue internado en un centro de rehabilitación.Días después escapó de éste. Durante varios días nadie sabe el paradero de Kurt. Courtney contrata a Tom Grant, detective privado, para localizar a su esposo. El 8 de abril de 1994, Gary Smith acudía a la casa de Cobain en Seattle para arreglar una alarma. Para su sorpresa, se encontró con el cadaver del vocalista de Nirvana. La policía indicó que Cobain se había quitado la vida con un tiro de escopeta en la cabeza, el 5 de abril. Tenía 27 años. A su lado se encontró una carta suicida en la cual revela sus razones. Más allá de ser una lista de situaciones específicas, la carta refleja un ser atormentado por la fama y por el cariño de sus fans, el cual no deja de agradecer. También menciona que él no quería convertir a Nirvana en lo que se transformó. Acepta que no pudo más y le pide a Courtney que siga adelante por Frances, su amada hija. La nota terminaba con un par de veces de My My, Hey Hey , una canción de Neil Young: It’s better to burn out / than to fade away (Es mejor quemarse / que ir desapreciendo).

Tom Grant asegura que fue homicidio, desmintiendo la versión oficlal de suicidio. Grant acusa a la mismita Courtney Love de mandar a matar a su esposo. El vocalista de The Mentors corrobora esta versión asegurando que Courtney lo fue a buscar para matar a Kurt (ver video aquí), y sin embargo éste rechazo la propuesta. Grant nunca ha podido demostrar nada de lo mencionado, pues lo único que tienen son sus argumentos: Cobain no pudo disparar un arma con la cantidad de droga que había consumido. Todo esta teoría del asesinato de Cobain está explicada en el documental de Nick Broomfield, ¿Quién mató a Kurt Cobain?

Según relata Dave Grohl, lo más difícil de terminar de editar el unplugged de Nirvana sin Kurt, fue ver y escuchar la tristeza de Cobain en esta canción:

El club de los 27

De izq. a derecha: Robert Johnson, Janis Joplin, Amy Winehouse, Brian Jones, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y Jim Morrison.

De izq. a derecha: Robert Johnson, Janis Joplin, Amy Winehouse, Brian Jones, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y Jim Morrison.

  • ¿Qué es el club de los 27?

El club de los 27 es aquel grupo de artistas (principalmente músicos) que tras alcanzar la fama internacional, mueren a la prematura edad de 27 años. Si uno googlea tal nombre aparecen una infinidad de listas de músicos y artistas pertenecientes al mortal grupo. Sin embargo, al mencionar el Club de los 27 sólo se consideran entre 5 o 7 músicos, quienes son los más representativos de dicho de club. Acá un poco de información, y un poco de música, por si no los topas del todo.

  • Miembro fundador

Robert Johnson es nada más y nada menos que el Abuelo del Rock & Roll. Bluesero importantísimo que influenció a grandes de la música rock: Rolling Stones, Eric Clapton, ergo Cream; Bob Dylan y Led Zeppelin. Con un estilo muy partticular que se nota desde las diferentes afinaciones que le daba a su guitarra, dependiendo de la canción, hasta ser uno de los grandes pioneros de la guitarra slide. Sólo grabó 29 canciones (o al menos sólo se tiene registro de 29), y sin embargo, es una figura clave para ese fenómeno que llamamos rock. Murió el 16 de agosto de 1938, a los 27 años de edad. No se sabe a ciencia cierta cuál fue la razón: pudo haber muerto de sífilis, de neumonía o por tomar un whisky envenado, preparado por un marido celoso.

La revista Rolling Stone lo nombró el quinto mejor guitarrista de todos los tiempos.

La revista Rolling Stone lo nombró el quinto mejor guitarrista de todos los tiempos.

Aquí una canción que además inspiró The Lemon Song de Led Zeppelin. Elegí esta pieza porque se dice por ahí, cuenta la leyenda, que Johnson vendió su alma al diablo en la carretera 61(Misisipi), al puro estilo de Paganini:

  • Tercia de jotas

La tercia de jotas está conformada por Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison, evidentemente porque su nombre empieza con la letra “j” (Brian Jones se quedó chato por esta maldita sociedad tan purista).

Jimi Hendrix fue la primer jota caída. Un 18 de septiembre de 1970 murió en Inglaterra, a los 27 años, el mejor guitarrista de todos los tiempos. Insuperable su legado, su estilo, lo que nos enseñó. Jimi Hendrix fue el maestro de la electricidad. Tomó la guitarra eléctrica y la conviritó en un símbolo de libertad, mostrando el alcance infinito de la música, sobre todo, el alcance innagotable de la música rock. Hendrix aprendió a tocar la electricidad, a manipularla, a destrozarla, levantarla y sacudirla a placer. Todo un dios, y como buena deidad, sólo él mismo podría darle fin a su existencia: se ahogó en su propio vómito tras beber somníferos con vino (elixir de báquico).

Quemando su guitarra en el famoso Monterrey Pop Festival (1967).

Quemando su guitarra en el famoso Monterrey Pop Festival (1967).

Elegir una canción es difícil, pero una de las más paradigmáticas del siglo XX, símbolo de la libertad y la contracultura, de la lucha agerrida contra la guerra de Vietnam, es sin duda el himno nacional norteamericano interpretado por Jimi Hendrix:

No había pasado ni un mes de la muerte de Hendrix cuando Janis Joplin murió, a los 27 años. El 4 de octubre de 1970 la Bruja Cósmica terminó su summertime; grababa lo que sería su próximo disco llamado Pearl, el cual se lanzó años después de manera póstuma. Buried alive in the blues nuca se pudo terminar, pero aparece en el disco como una pieza instrumental. Mercedes Benz, una de sus más famosas canciones, fue grabada días antes mas nunca se logró concretar el sonido para dicha canción. No se sabe, al igual que Johnson, cuál fue la verdadera razón de su muerte. La versión oficial indica que fue una sobredosis de heroína, una muy pura (si no entiendes qué significa lo de pura, quiere decir que era una droga muy fuerte, la cual se debe manejar con cuidado); sin embargo en la casa de Janis no se encontró ni jeringas ni restos de la droga.

En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock & Roll.

En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock & Roll.

La mejor canción de Janis Joplin porque, además de su perfección y fuerza, es inevitable no querer buscar más canciones de la Bruja Cósmica:

Jim Morrison fue la última jota en morir. Asustado por las drogas que habían matado a Janis y a Hendrix, y acosado por la fama  de ser el vocalista de los Doors, Morrison se exilió junto con Pamela Courson, su musa, en la Ciudad de las Luces, entiéndase París, Francia. Tras visitar un pequeño bar clandestino en el centro de la ciudad, Morrison regresó a remojarse en la bañera de la casa donde vivía con Courson en el barrio de Le Marais. Ahí, mientras se dejaba llevar por las suaves y quedas mareas de su bañera, Morrison sufrió un paro cardiaco la madrugada del 3 de julio de 1971, a los 27 años.

El Rey Lagarto en pleno trance chamánico.

El Rey Lagarto en pleno trance chamánico.

La muerte de Jim Morrison sigue siendo un gran enigma dentro de la historia del rock. Empecemos por lo más extraño: nadie vio el cadaver de Jim Morrison. Se dice que únicamente Pamela Courson y el médico que levantó el acta de defunción vieron el cadaver de Morrison. Ni los Doors, ni sus familiares pudieron ver el cuerpo inherte del vocalista de los Doors. Lo segundo más extraño es que Morrison cambió su testamento meses antes morir, estipulando muy claramente que sus cuentas bancarias quedaran activas después de su muerte (¿para qué querría dinero un muerto?). Otras fuentes indican que murió por una sobredosis de heroína, sin embargo de todas las drogas que Jim se metía ésta era la que menos consumía, se podría decir incluso que la detestaba pues lo malviajaba, y si a esto le sumamos la muerte de Janis Joplin, la cual Jim tenía muy presente, suena ilógico que Morrison se haya atrevido a inyectarse un poco de heroína. Otra teoría indica que Jim fingió su muerte para escapar de la fama. Ray Manzarek, en alguna entrevista, declaró que si alguien era capaz de fingir su muerte, ése era James Douglas Morrison. Todas esta teorías sobre su muerte están en el libro El rey lagarto: lo esencial de Jim Morrison, escrito por el periodista Jerry Hopkins.

Morrison fue todo un poeta, toda una figura para el rock, para la contracultura y para la historia. Les dejo su mejor poema con una interpretación excelsa:

No te pierdas la segunda parte del club de los 27…

Apariciones de los Beatles en los Simpsons

Una parodia del famoso álbum "Abbey Road"

Una parodia del famoso álbum “Abbey Road”

  • The Sims-Rock

La popular familia americana es fan de la buena música. Alrededor de sus 25 temporadas han caricaturizado hartos músicos de fama internacional, principalmente rockeros de la vieja escuela. Entre los más famosos que han acompañado a la familia amarilla están: The Who, Elton John, Metallica, Smashing Pumpkins, Michael Jackson, R.EM., U2, los Rolling Stones, Peter Frampton, Lenny Kravitz y muchos más. Algunos no fueron invitados pero sí existen dentro de los capítulos de los Simpsons aluciones a ellos, por ejemplo Nirvana y Bob Dylan.

Los cuatro grandes simpsonizados.

Los cuatro grandes simpsonizados.

Por supuesto los Beatles, los Cuatro Fabulosos de Liverpool, también han aparecido en esta exitosa serie.  Y sólo porque los Simpsons estrenaron el pasado domingo su capítulo número 550, aquí te van 5 capítulos donde aparecen John Lennon, George Harrison, Paul McCartney y Ringo Starr, entiéndase los Beatles (tan amados, tan odiados, etc, etc,).

  • Paul el vegetariano

Paul y Linda McCartney.

Paul y Linda McCartney.

Lisa la vegetarania (para latinoamérica) es el capítulo número 5 de la temporada número 7. Despúes de que la familia Simpsons visita una granja interactiva, Lisa piensa muy seriamente en volverse vegetariana. Mientrás Lisa deambula entre la indecisión, su padre organiza una enorme parrillada en la cual, por supuesto, abundará la carne. Cuando Lisa Simpson toma la decisión final (nunca volver a comer carne) ésta entra en conflicto con su padre. Esta riña concluiría con Lisa arruinando el platillo principal de la parrillada de su padre. Tras una discusión, Lisa se va de la casa y llega con Apu. Éste le confiesa a Lisa que es vegetariano y le invita a su jardín secreto, ubicado en la azotea del mini-súper. He ahí cuando aparece los grandes amigos de Apu: Paul y Linda McCartney, quienes le dan una lección de tolerancia a Lisa Simpson. Apu trata de citar una canción del viejo McCartney, pero se equivoca. La aparición de McCartney en los Simpsons concluye con Apu covereando Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band en un estilo… muy hindú. El capítulo finaliza con Homero caragando a Lisa en sus hombros mientras suena de fondo Maybe I’m amazed del autor de Yesterday. Aquí la pequeña aparición de McCartney en los Simpsons (disculpen la calidad del video):

  • George el simpático

Homero conoce a George Harrison.

Homero conoce a George Harrison.

Irónicamente, George Harrison sale en un capítulo que es claramente un tributo a la banda de Liverpool (uno de mis favoritos, acá entre nos). El cuarteto de Homero es el primer capítulo de la quinta temporada. Cuando van a una especie de venta de garage multitudinaria, Bart Simpson encuentra un acetato donde aparece su padre en la portada. Así es como Homero empieza a relatar la historia de los Borbotones, banda que formó con Apu, el maestro Skinner y el jefe Gorgory, aunque éste sería substituido (al igual que Pete Best en los Beatles) por Barney Gómez. Básicamente es la adapatación muy resumida de la historia de los Beatles.

Esta escena demuestra que este capítulo buscaba ser un tributo a la historia de los Beatles.

Escena que caricaturiza una foto tomada durante las grabaciones del caótico “The Beatles”, mejor conocido como “El álbum blanco”.

Homero conoce a George Harrison en la fiesta posterior a la entrega de premios Grammy, donde los Borbotones ganan uno de esos premios. Homero se queda atónito al ver que Harrison se le acerca, pero no por su presencia, sino por el bocadillo que Harrison está comiendo. Homero le pregunta dónde consiguió el pastelillo. George le indica donde, y Homero va y se atasca del postre. Harrison lo ve y dice: “Qué agradable sujeto”.  Al final del capítulo vuelve a aparecer Harrison justo cuando los Borbotones tocan en la azotea, diciendo lo que tú acabas de pensar: “Eso ya se ha visto antes”. Aquí el clip de los pastelillos:

  • John Lennon el vengativo

A punto de vengarse de Homero.

A punto de vengarse de Homero.

John Lennon, el sen-sei, el gurú, el maestro, su excelencia, aparece en varios capítulos. Lamentablemente son muy muy breves. La primera aparición es el capítulo 17 de la temporada 4. Lisa necesita frenos, y cuando se los van a poner le suministran una poderosa anestesia general. Una vez sedada, empieza a alucinar cuando se encuentra con un submarino amarillo donde están los 4 Beatles y dicen: “Miren, muchachos, es Lisa en el cielo pero sin diamantes” (clara alusión a Lucy in the sky with Diamonds). La segunda aparición es en un especial de la Casita del Terror (XIX). Básicamente Homero descubre que puede usar la imagen de cualquier artista o famoso que ya esté muerto, así que lo contratan para matar famosos. Cuando los fantasmas de estos artistas están hartos, deciden darle una paliza a Homero. Entre los artistas está John Lennon montado en un submarino amarillo. Parafrasea la canción Give peace a chance”, en la primera frase del coro: All we are saying is give peace a chance (Todo lo que estamos diciendo es denle chance a la paz). Aquí su aparición:

  • Ringo Starr el famoso

Ringo Starr contestando las cartas de sus fans.

Ringo Starr contestando las cartas de sus fans.

Ringo Starr fue el primer Beatle que apareció en la serie (los primeros serán los últimos, ¿o cómo era?). Ringo aparece recibiendo un cuadro que Marge pintó, con tan sólo… 40 años de retraso… El capítulo pertenece a la segunda temporada y se llama Pinceles con grandeza. Aquí cuando Homero descubre todos los cuadros que Marge pintó para Ringo:

  • El magical mystery tour de Bart

Un resumen breve de la historia musical de los Beatles.

Un resumen breve de la historia musical de los Beatles.

En el capítulo número 21 de la temporada 14 (La guerra de Bart), Bart y Milhouse descubren en el sótano de Flanders una enorme colección Beatle. Entre trajes famosos y artículos de colección, encuentran unas raras bebidas; el nombre de estas bebidas es un juego de palabras con los nombres de los integrantes. Bart le da un buen trago a una de esas latas y se da un viaje tremendo donde ve las diferentes facetas de los Beatles a través de Milhouse: los rocanroleros, los sargentos pimenta, los Abbey Road e incluso la famosa fotografía de Lennon posando desnudo a un lado de Yoko Ono.

  • Los capítulos completos

Aquí te dejo el link con los capítulos completos. Te recomiendo que veas el primero si eres muy muy fan de los Beatles, pues es un muy bonito tributo a la banda. Con decirte que el capítulo concluye con el famoso concierto en la azotea:

(OJO: si te aparecen dos cuadros de video, el capítulo se ve en el de abajo)

El capítulo de George Harrison (el tributo a los Beatles)

El capítulo de Paul McCartney

El capítulo de Ringo Starr

El capítulo de John Lennon

El capítulo del alusín de Bart

 

Bateristas imprescindibles: John Bonham (Led Zeppelin)

 

El legendario y único baterista de Led Zeppelin.

Después de 30 vasos de vodka en menos de 10 horas, murió ahogado en su propio vómito el 25 de septiembre de 1980.

 

  • Ficha técnica

John Henry “Bonzo” Bonham nació el 31 de mayo de 1948 en Worcestershire, Inglaterra. Fue nada más y nada menos que el talentoso baterista de Led Zeppelin. Tiene un estilo inigualable. Considerado por la revista Rolling Stone como el mejor baterista de todos los tiempos, su obra ha influido a grandes músicos , entre ellos: Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters), Joey Kramer (Aerosmith), Brad Wilk (Rage Against the Machine, Black Sabbath), Chad Smith (Red Hot Chilli Peppers), etc.

A los 5 años descubrió su Dasein en el mundo. Apostarle toda una batería a un niño de 5 años puede resultar un poco arriesgado para varias familias (sobre todo para familias cuyo sustento viene del padre de familia el cual ejerce el oficio de la carpintería), por lo cual Bonham improvisó una batería con ollas y latas vacías de café. Esta acción fue inspirada por 3 de sus grandes ídolos; 2 de ellos parecen piezas clave para entender lo que fue la esencia de los mejores bateristas de la historia (entiéndase Keith Moon, Mitch Mitchell y Bill Ward): Buddy Rich y Gene Krupa. El otro, sin restarle su valor, fue Max Roach.

No fue hasta los 15 años cuando el padre de John Bonham le dio su primer kit de batería, lo cual seguro cambió el curso de la historia de la música. A raíz de esto, estuvo en varias bandas amateur y semi-profesionales, en las cuales adquirió cierta experiencia (la cual seguro no necesitaba, je je).

El kit básico en los inicios de Bonham. Ludwig sacó una versión conmemorativa idéntica a ésta llamada "Zep kit".

El kit básico en los inicios de Bonham. Ludwig sacó una versión conmemorativa idéntica a ésta llamada “Zep kit”.

La primer banda en la cual se desarrolló de manera profesional fue con la Tedd Webb and the Spiders. Obtuvo el suficiente éxito para grabar un pequeño sencillo llamado “She is a mod”, el cual pasó desapercibido por la historia ya que no se encuentran registros auditivos en la red, sólo sirve como referencia para contar la biografía de Bonham. La banda se desintegró rápidamente, y Bonham fue a dar con la Crawling King Snakes la cual contaba como vocal al joven Robert Plant, quien años después sería el vocalista de Led Zeppelin. Este contacto fue de gran trascendencia ya que Plant fue quien recomendó a Bonham con Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin. Después del fracaso de Crawling King Snakes, Robert Plant decide jalarse a Bonham a su nuevo proyecto llamado Band of Joy, la cual llamó la atención de Tim Rose. Fue así como Band of Joy se conviritió en la banda telonera de Tim Rose, y fue gracias a esto que Page se encontró con Plant pero sobre todo con Bonham, músicos idóneos para formar su nuevo proyecto post-Yardbirds: The New Yardbirds, o mejor conocidos como Led Zeppelin.

Terry Webb and the Spiders fue la primer banda profesional de Bonham.

Terry Webb and the Spiders fue la primer banda profesional de Bonham.

Jimmy Page no sabía si elegir entre Ginger Baker (Cream) o Bonham. La decisión final la tomó cuando escuchó a John tocar. Así recuerda Page aquel momento:

Robert Plant me recomendó a John Bonham. Su sonido de batería estaba más allá de cualquier límite que yo pudiese imaginar. De hecho, mi principal reticencia en cuanto al sonido que debía tener Led Zeppelin quedó aclarada en cuanto le vi tocar. Los baterías con los que había trabajado en sesiones sonaban como si golpearan una caja de cartón, debido a que estaban encerrados en pequeñas peceras de grabación que les chupaban el sonido. Una batería debe respirar. Y Bonham sabía cómo hacerlo, sabía cómo afinarla. Para mí la batería debe ser la columna vertebral del grupo. Todo lo demás tiene que basarse en ella. Y Bonham era esa columna vertebral.”

  • El mejor baterista de todos los tiempos

John Bonham creó un estilo inigualable. Hay bateristas a quienes hay que apreciar en vivo más que en estudio. Pero John Bonham es fabuloso en cualquier formato: en vivo, en demo, en estudio, en improvisación. La clave de su estilo era el tiempo. Creaba compases poco comunes los cuales llenaba de pequeños y eficaces golpes a la tarola que engañan a cualquier músico villamelón. Ese manejo perfecto de los tiempos le permitía convertir ritmos simples como 4/4 en grandes desfiles de habilidad. Una simple balada, cuya batería está condenada a hacer el papel metrónomo, Bonham la transformaba en una poderosa taquicardia. Jamás he escuchado que Bonham toque ritmos convencionales en su música. Tocó blues, rock, jazz, reggae, pero siempre con su estilo: paráfrasis musical. Su estilo es inconfundible por lo salvaje de sus afinaciones. Si Keith Moon era el motor de la máquina, John Bonham fue una manada de guepardos corriendo por la sabana, un ejército de caballos huyendo de un tsunami. Una explosión de frenesí con una pizca de pasión. Una energía que surge de nosotros, vertiginosa, avasallante, imparable; recorre nuestras venas como lava ardiente, como una estrella fugaz cuando choca con la Tierra. Ese sentimiento de tener un huracán en nuestro pecho, un tigre peleando a muerte por su alimento. Ver cómo tocaba la batería era ver cómo un hombre se enfrenta a la música tangible y se enfrente a ella lleno de furia, desgarrándoles las ropas, ahogándose en su pelo; arañazos duros y calculados a sus piernas, para terminar en un acto de amor y respeto, mismo que sólo puede ser descrito como libertad, vida, energía, contracultura, subversión, rock.

En medio de un solo de "Moby Dick"

En medio de un solo de “Moby Dick”

  • Las básicas de Bonham

Un DVD básico es The song remains the same, la cual documenta una gira de Led Zeppelin a principio de los 70’s mezclándola con una película. Sin embargo, acá te dejo un top con canciones de Led Zeppelin que todo mundo debería escuchar antes de morir, y no necesariamente por la letra o por la guitarra…

The ocean es una canción que se según declaró Page fue hecha en su totalidad por Bonham. No quiere decir que él se sentó a escribir la letra, las partes de la guitarra, etc. John Bonham tocó tooooda la parte de la batería de la canción hasta crear una melodía concreta; Page y John Paul Jones se unieron a él y así nace la canción. De hecho todas las canciones de ese disco (Houses of the holy) fue creado de la misma manera:

Trampled under foot viene de uno de los mejores disco de Led Zeppelin, Physical Graffiti. La guía de la canción es el bajo; los riffs de la guitarra ayudan a que la canción no suene monótona. Pero la batería de Bonham dota de poder y vitalidad los puentes, incluso ese quiebre en la parte final, suena bien gracias a los remates breves pero precisos de Bonham:

The Crunge es el ejemplo perfecto de cómo Bonham creaba un riff y una melodía para la guitarra a partir de la batería:

When the leeve breaks demuestra cómo Bonham transformó simples ritmos, simples compases, en poderosas canciones de rock marcadas por su esencia única e inconfundible:

Dazed and confused… ROLÓN. Esta versión en vivo es soberbia se ponen a prueba tanto Page como a Bonham:

Since I’ve been loving you. No es la guitarra ni la voz de Plant lo que va llenando de energía el final de la canción, es el aumento gradual de la dificultad de la batería:

Este listado no puede estar completo sin la obra cumbre de Bonham, ése gran solo de batería el cual no ha sido igualado jamás: Moby Dick con una duración de media hora… Así nomás:

Bateristas imprescindibles: Keith Moon (The Who)

keith-moon

Uno de los bateristas más notables de la historia.

  • El chico destrucción

Keith Moon fue uno de los bateristas de la banda británica The Who. Con todo el legado musical que dejó, puedo afirmar con seguridad que se trata del baterista más importante que la banda de Pete Townshed tuvo. Es uno de los bateristas más asombrosos del siglo pasado. Es considerado por la revista Rolling Stone como el segundo mejor baterista de la historia. Tiene un estilo muy especial para tocar. Una diferencia que distingue a Moon es la “facilidad” con la que toca. Parecía que no hacía el menor esfuerzo por tocar los tambores, como si nunca hubiera tocado al 100%.

Nació el 23 de agosto de 1946 y murió el 7 de septiembre de 1978 debido a una sobredosis de somníferos, administrados para ayudarlo a superar su profundo alcoholismo. De pequeño era muy hiperactivo. Los profesores de su natal Wembley, Inglaterra, consideraban que tenía un talento musical oculto. Ingresó a la banda de la escuela donde tuvo su primer encuentro con la música. Trabajó como asistente en varios estudios para ganar dinero y comprar su batería, el instrumento perfecto: golpear, golpear y golpear.

"El espíritu de Lily", la batería favorita de Moon. Varias veces la destruyó, la arregló y la amplió.

“El espíritu de Lily”, la batería favorita de Moon. Varias veces la destruyó, la arregló y la amplió.

Entre los diferentes intereses de Keith Moon estaban los explosivos. Esto se reflejaría más cuando tuviera la oportunidad y la posición económica para destruir cuanto quisiera, como cuartos de hotel, por ejemplo. Keith Moon no sólo se convirtió en un ícono de la destrucción por sus famosas destrucciones en el escenario, también por aniquilar los cuartos de hotel donde se hospedaba cuando los Who andaban de gira. Les dejó una foto del escusado que explotó Keit Moon en un hotel de Nueva York:

Del Gorham Hotel, en Nueva York. El escusado fue asesinado en 1968.

Del Gorsham Hotel, en Nueva York. El escusado fue asesinado en 1968.

Con tan sólo 17 años, Keith Moon audicionó para entrar a los Who. Parte de su legado fue destruir la batería al final de las presentaciones.

  • Influencias

El blues y el jazz invadieron la mente del pequeño Moon. Es curioso que uno de sus grandes ídolos haya sido el mismito Gene Krupa, baterista que influyó a Bill Ward. Tampoco es para sorprenderse pues Krupa debe ser uno de los bateristas más importantes del siglo XX. Para muestra acá un video:


Otra gran banda que escuchaba mucho Keith Moon eran los Beach Boys. De hecho, en varias entrevistas declaró, ya consagrado con los Who, que si los Beach Boys le proponían unirse a la banda, no dudaría en abandonar a Daltrey, Entwistle y Townshed.

Moon logró un estilo propio totalmente inefable. Era un baterista que detestaba los solos de sus contemporáneos, entre ellos Ginger Baker (Cream) y John Bonham (Led Zeppelin). Es difícil encontrar solos de bateria de Keith Moon, sólo un par en el estudio. Lo realmente impresionante es que a veces no le alcanzaban los tambores y se llenaba de más de 10. En un principio tenía problemas con los Who porque parecía que perdía el tiempo de la canción. Con el pasó de los años y la práctica, logró limpiar sus percusiones para ser más efusivo en los compases. La mejor manera de notar esto es en el álbum Quadrophenia y en Who’s Next, donde el estilo y técnica de Moon llegan a su perfección.

  •  Sobran las palabras

La mejor manera de describir el único e increíble estilo de Moon es escuchando sus canciones. He elegido las que considero sus piezas clave, unas por sus grandes y rápidos remates; otras por la forma en que marca perfectamente los compases, es decir, nunca pierde el tiempo ni el ritmo, y entre cada inicio de compás: Moon llena de remates el pentagrama.

De lo más básico de los Who: un tiempo perfectamente llevado, jugando con los platillos Who are you?:

 

Young man blues, un cover de una canción de jazz. Fragmento de la mejor presentación que los Who dieron (después, quizá, del Pop Monterrey Festival):

The real me, de su ópera rock, Quadrophenia… Simplemente genial. La batería nunca pasa desapercibida:

Substitute, de las primeras canciones de los Who. Una casi típica canción a la Beatle sólo que con un hábil y veloz baterista. De todos los instrumentos, la batería es la que distingue a la canción, pues, como ya dije, podría pasar como una rola del dúo Lennon/McCartney o de los Monkeys:

Por supuesto, la cumbre de Moon: Won’t get fooled again. En esta presentación se echa un tirito implícito con Pete Townshed. Guitarra vs batería… Yo creó, sin duda alguna, que a Pete le robaron su solo:

Letra de “Like a Rolling Stone” vale 1 millón de dólares

El manuscrito original de "Like a rolling stone" (*se le cae la baba*).

El manuscrito original de “Like a rolling stone” (*se le cae la baba*).

  • La hoja del millón de dólares

La noticia del día: La letra de Like a Rolling Stone será subastada este 14 de junio. Bueno, en realidad se venderá el manuscrito donde Bob Dylan plasmó una de las canciones más importantes del siglo XX. Según la revista Rolling Stone, esta canción encabeza la lista de las mejores 500 canciones de todos los tiempos, o al menos del siglo XX. 

Cabe mencionar que esta canción no deja de hacer historia pues apenas el año pasado se lanzó el video oficial interactivo de la canción, tan sólo 50 años después de salir el sencillo…

La oferta podría empezar con un millón de dólares, e incluso podría llegar hasta los 2 millones de dólares según declaró la casa subastadora neoyorquina Sotheby. Si esto llegara a pasar, la icónica canción de Dylan superaría el costo del manuscrito más caro subastado hasta el día de hoy, y que nada más y nada menos pertenecía a John Winston Ono Lennon (o sea, John Lennon). La canción subastada en el 2010 fue A day in the life, y fue vendida en 1.2 millones de dólares.


El manuscrito de Dylan consta de 4 cuartillas que incluyen estrofas nunca cantadas. Además, en la misma subasta, se venderá otro manuscrito original de una canción de Bob Dylan: A hard rain’s a-gonna fall, una canción de su segundo y popular disco The freewheelin’ Bob Dylan. El costo inicial de esta canción se estima podría empezar con entre los 400 mil y 600 mil dólares… lo que traemos todos en la cartera.

Portada del álbum volvió muy popular a Dylan a inicios de los 60's.

Portada del álbum que volvió muy popular a Dylan a inicios de los 60’s.

  • ¿Cuánto vale el clóset de Dylan?

¿Cuánto estarías dispuesto a pagar por algún objeto de Bob Dylan? Bueno, el año pasado un comprador anónimo participó en una subasta donde se vendían algunos manuscritos de Bob Dylan. También había una guitarra Fender Stratocoaster que perteneció al músico estadounidense. Era la misma guitarra que había usado en el desastroso Newport Folk Festival de 1965, ese festival en donde lo abuchearon al tocar 3 canciones con toda una banda de rock: el Waterloo de Dylan. Es una pieza clave para el rock, y sobre todo para los fans del compositor. Ese día cambió la historia de la música del siglo XX, fue el día que Bob Dylan renunció al folk.

En el Newport Folk Festival de 1965

En el Newport Folk Festival de 1965.

La guitarra fue vendida en 965 mil dólares, superando el precio de Blackie, nombre de la guitarra de Eric Clapton y la cual fue subastada en 2004 por la cantidad de 959 500 dólares.

La "Blackie" de Eric Clapton.

La “Blackie” de Eric Clapton.

Aunque no lo crean, Bob Dylan había perdido esa guitarra histórica (quizá él no estaba tan consciente del valor del instrumento). La olvidó en un avión, y el piloto, nada tonto, la tomó y la guardó por décadas con su familia. Fue su hija, Dawn Paterson, quien la presentó en la PBS para el programa History Detectives, algo así como Detectives de la historia.

Con información de:

http://www.theguardian.com/music/2014/may/01/bob-dylans-original-manuscript-for-like-a-rolling-stones-lyrics-goes-on-sale

http://www.rollingstone.com/music/news/bob-dylans-newport-guitar-sells-for-nearly-a-million-bucks-20131206

 

Bateristas Imprescindibles: Bill Ward (Black Sabbath)

Además fue cantante en dos canciones de Black Sabbath: Swinging the chain" e "It's alright".

Además fue cantante en dos canciones de Black Sabbath: Swinging the chain” e “It’s alright”.

  • De la Mitología al mito

Bill Ward nació el 5 de mayo de 1948 en Birmingham, Inglaterra. Su nombre completo es William Thomas Ward, lo cual es curioso pues es homónimo de un héroe de la guerrra civil norteamericana. Fue el baterista miembro y fundador de la legendaria banda Black Sabbath, una de las consideradas pioneras del Heavy Metal, incluso la consideran una de las creadoras junto a Led Zeppelin y Deep Purple.

Es considerado por la revista Time Rock como el mejor baterista de todos los tiempos, peeeeero por la populachera Rolling Stone es el baterista número 19 de tooodos los tiempos (¿cuestión de gu$to$?). Pero entrarle a eso de los debates para enlistar a los 100, 500, o 50 mejores de X,  es engorroso y poco productivo, generalmente porque casi nadie está dispuesto a ceder sobre sus concepciones, y peor, no sabemos dejar a un lado nuestros gustos cuando valoramos algo.  Pero eso sí: si de guitarristas hablamos, NADIE puede negar que Jimi Hendrix es el mejor guitarrista de todos los tiempos, NADIE.

Empezó en la banda Mythology y de ahí dio el brincó, junto con el después guitarrista de Black Sabbath, Tony Iommi, a la banda que lo consagró.

Bill Ward

¿Para ser un gran baterista hay que dejarse la greña y la barba? (Ccp. John Bonham)

  • Toda una navaja suiza

Bill Ward además es un graaan (nótese cómo le hago la barba) artista visual. La mera verdad no es malo pero sin duda lo suyo suyo es destrozar la batería. Sin embargo vale la pena echarle una (h)ojeada virtual a su galería.

  • ¿Qué escuchaba Bill Ward?

Es curioso ver un comun denominador entre los  mejores bateristas de la historia: el jazz.

Bill Ward no es la excepción entre sus influencias están bateristas como Buddy Rich y Gene Krupa.

El jazz también marcó a bateristas como Keith Moon (The Who) e incluso a John Bonham (Led Zeppelin). ¿Qué tiene este género? Libertad, entre otras cosas. Escuchar jazz y aprender de él te obliga a tener el deseo de aprovechar cada movimiento que tus brazos te permitan. El jazz es veloz y certero. Rompe con cualquier norma musical pero sin perder el tiempo ni el ritmo, lo cual provoca que generen nuevos marcos por donde la música pueda circular. Cada descuido del silencio es aprovechado por el baterista. No hay descanso para el oído pero éste no se fastidia. La bateria sincroniza los latidos del corazón al tiempo del riff inventado por el baterista. La bateria con  Ward demuestra ser el motor de la maquinaria llamada Black Sabbath.

Un ejemplo de las influencias de Ward (Buddy Rich vs. Animal{Muppets}):

Acá otro (otra vez Buddy Rich pero vs. Gene Krupa, la otra influencia de Ward):

  • Sin tantas palabras

¿Para qué los trato de convencer con mis palabras? Mejor escuchen esta versión de 1970 en París, Francia. War pigs una gran rola de un gran álbum (Paranoid). De hecho el disco se iba a llamar como la rola, sin embargo los productores sugirieron un cambio pues la canción era una clara referencia a la guerra de Vietnam. La cosa fue evitarse problemas. He aquí la rolololololototototota:

  • Epílogo

El buen Will tuvo que abandonar Black Sabbath, primero, por sus problemas con el alcohol. Cuando regresó su salud ya estaba muy deteriorada lo que le impidió integrarse al 100% a la banda, porque eso de tocar la bateria no es cosa para bajistas (juar, juar, juar, chiste de músicos, y si eres bajista, no te ofendas y comparte).